Omar Castañeda

Periodista musical, con más de 20 años de experiencia. Amante y curioso de la música. También hago media PR y creo playlist para marcas. Music makes the place.

Two Door Cinema Club está de vuelta con «Wonderful life»

Dos meses antes de desembarcar en la edición sold out del Corona Capital, los británicos Two Door Cinema Club habrán lanzado quinto álbum de estudio, Keep On Smiling (02 de septiembre, Glassnote Records), el primero con música nueva desde 2019. Con la confirmación de este próximo lanzamiento, la banda ha revelado Wonderful life, canción que hace alusión a sus primeros trabajos, una señal de indie pop y el sonido de una banda que está en el punto más ambicioso de una carrera de 15 años.

Fuera de este mundo, la canción abridora Messenger AD te prepara para el viaje estratosférico y caleidoscópico en el que te llevará TDCC con Keep On Smiling . De canciones de electro funk irresistible y nu disco como Everybody’s cool, Feeling strange y Won’t do nothing, hasta canciones espaciales de synth pop como Lucky, el cielo es el límite para los chicos de Bangor, quienes lamentan una sociedad fracturada y dividida, declarando que la felicidad está bajo nuestro control a través de himnos indie bailables tremendamente optimistas. El resultado es espectacular y vuelve a capturar lo que impulsó a la banda originalmente a la conciencia mainstream y a un legado como una de las bandas más queridas de Reino Unido.

Pudiendo darse el tiempo y el espacio para adentrarse al proceso de composición y grabación, la banda adoptó un proceso creativo más colaborativo y libre en Keep On Smiling. El álbum fue escrito y producido por la banda tanto en confinamiento como después, con producción adicional de Jacknife Lee (Bloc Party, The Killers, Taylor Swift) y Dan Grech Marguerat (Halsey, Lana Del Rey, George Ezra). La portada del LP fue creada por el artista británico, Alan Fears, conocido por su estilo inspirado en los 80s y sus referencias a la cultura pop, a veces teatrales y graciosas, que se prestan perfectamente para representar los temas de Keep On Smiling.

Two Door Cinema Club – Keep On Smiling

 

1. Messenger AD
2. Blue light
3. Everybody’s cool
4. Lucky
5. Little piggy
6. Millionnaire
7. High
8. Wonderful life
9. Feeling strange
10. Won’t do nothing
11. Messenger HD
12. Disappearer

«10:36», la nueva canción de beabadoobee

El ícono aclamado de la Gen Z y próxima a presentarse en la decimosegunda edición del Corona Capital —para la que ya no hay boletos—, beabadoobee, comparte su nuevo sencillo 10:36, tomado de su próximo álbum de estudio, Beatopia disponible el 15 de julio a través de Dirty Hit. 10:36 desempaca las relaciones personales de Bea con la gente de su vida y cómo depende del contacto humano para poder dormir: Youre just a warm body to hold / at night when I’m feeling all alone”, canta.

10:36 fue escrita después de Fake it flowers y antes de Our extended play, y había visualizado que estuviera en ese EP, pero me quedé con ese riff durante años y luego hice un demo formal durante el confinamiento. Se llamaba 10:36 porque fue la hora en la que terminé de escribirla. Básicamente, habla de cómo tengo esta dependencia extraña en el contacto humano para dormir.- beabadoobee.

Junto a los sencillos Talk, See you soon y Lovesong, 10:36 es una probada más del segundo álbum excitantemente diverso y experimental, Beatopia. Beatopia es un mundo fantástico y profundamente personal que fue formado en la imaginación de una beabadoobee con 7 años de edad y ha sido llevado con ella desde entonces. Con el trabajo más impresionante de Bea, Beatopia marca un gran progreso, con 14 canciones que abarcan del fuzzy rock, música de cantautor, psicodelia, midwest emo y pop, mientras se mantiene fiel a sí misma.

Beabadoobee está de gira por el mundo, con shows programados en Glastonbury, Governor’s Ball, Summer Sonic, Mad Cool, Rock En Seine, TRNSMT y más. Recientemente, acompañó a Halsey como telonera en su gira por EU y luego estará de gira con Bleachers. En octubre tiene planeada una gira por Reino Unido, que incluye un show en la legendaria Brixton Academy.

Santigold, lista para comerse el mundo

La visionaria creativa multi plataforma y artista radical, Santigold, anuncia su cuarto álbum Spirituals para el 9 de septiembre. Ella también saldrá de gira con un nuevo show en EU en The Holified Tour. Para celebrar el álbum y el anuncio de la gira, ella lanza un nuevo sencillo y video titulado Ain’t ready, parte de Spirituals.

Ain’t ready es una canción que empecé con Illangelo. Dre Skull y Sbtrkt se subieron al barco para ayudarme a elevarla, otra colaboración verdadera de talento tan distinguido y asombroso. Fue una de esas canciones en donde apenas abrí mi boca y salió toda la melodía. No había palabras pero toda la emoción estaba presente. Para mí, la canción sonaba llena de dificultades y perseverancia. Sonaba como a una batalla y quería que la producción fuera dura, para reflejar ese esfuerzo. Al principio, me costó trabajo encontrar las letras correctas, pero cuando las conseguí empecé a cantarlas una noche en mi estudio a solas, y lloré. Esta canción fue mi propia canción de lucha. Es sobre tomar los golpes que te da la vida y volver a levantarte. Es sobre el cambio y seguir adelante. Es sobre fe y visión. Y es sobre asumir tu propio poder.- Santigold.

Como artista innovadora que siempre busca abolir los límites de la industria de la música, Spirituals es el primer álbum de Santigold lanzado en su propio sello Little Jerk Records y será distribuido por Secretly Distribution. El álbum captura la sensación de sobrevivir en el mundo moderno mientras te elevas a nuevos lugares. Fue grabado principalmente durante el confinamiento de 2020. Santigold dice:

De pronto estaba ahí con tres niños fuera de la escuela –gemelos que apenas cumplieron dos años y uno de seis años– estaba cocinando, limpiando, lavando la ropa y cambiando pañales desde la mañana hasta la noche y tres niños pequeños metiéndose y saliéndose de mi cama cada noche como sillas musicales. Estaba perdiendo contacto con la artista que llevo dentro, atorado en una parte de mí misma que era demasiado pequeña. Sentí que las otras partes de mí estaban encogiéndose, desapareciendo.

Santigold luchó pero logró definir un espacio en donde podía centrarse y colaborar virtualmente con productores y colaboradores: Rostam, Boys Noize, Dre Skull, P2J, Nick Zinner, SBTRKT, JakeOne, Illangelo, Doc McKinney, Psymun, Ricky Blaze, Lido, Ray Brady y Ryan Olson. “Grabar este álbum fue un camino de vuelta a mí misma tras estar atorada en modo supervivencia. No fue sino hasta que hice el espacio para crear que me di cuenta que no sólo estaba creando música sino una línea de vida”, ella comenta. «California estaba en llamas, nos escondíamos de la plaga, se desarrollaban las protestas de justicia social. Nunca había escrito letras tan rápido en mi vida. Después de tener un bloqueo total, empezaron a brotar. Decidí crear el futuro, mirar hacia dónde vamos, crear belleza y dirigirme hacia esa belleza. Necesito eso para mí misma pero también está ahí para quien sea que lo necesite”.

Me encantó la idea de nombrarlo Spirituals porque toca la idea de los espirituales negros, que eran canciones que tenían como propósito hacer que la gente negra superara lo imposible de superar», ella continúa. “En ausencia de la libertad física, los espirituales tradicionalmente han sido música cuyo sonido e interpretación física permiten a sus participantes sentir la libertad trascendental en el momento. Esto es lo  que hizo este disco por mí».

Desde su último lanzamiento de larga duración, Santigold también ha estado absorta en nuevas formas de expresar y lanzar sus ideas, dándole un mayor rango para ser más fiel a sus intenciones creativas bajo sus propios términos.. Creó Spirituals como una experiencia multisensorial que incluye no solo la música y las viñetas de video, sino también nuevas formas de compartir su arte visual, una próxima línea natural para el cuidado de la piel y un té; los productos que llevan la misma marca, Spirituals. También lanzará un nuevo podcast en el que entrevista a otros artistas y visionarios en torno a algunos de los mismos temas explorados en su música. Santigold también tiene otras líneas literarias, cinematográficas y de productos en proceso. “Quiero seguir diversificándome en todas las formas de arte”, dice. “Y estoy muy emocionada de dejar que mi música me lleve a nuevos lugares”.

Aunque llevarte a nuevos lugares forma parte de la actitud de Santigold en este punto de su impresionante carrera, ella siempre ha sido una artista que ha trazado nuevos caminos en el mundo de la música pop y más allá, rompiendo las barreras de género en el proceso, consolidándola como una artista esencial al considerar las últimas dos décadas de cultura popular.

Santigold - Spirituals

  1. My Horror
  2. Nothing
  3. High priestess
  4. Ushers of the new world
  5. Witness
  6. Shake
  7. The lasty
  8. No paradise
  9. Ain’t ready
  10. Fall first

Future Islands.- Una colisión de synth pop en Guadalajara

A pesar de que no ha aparecido una colección de canciones importante desde As Long As You Are, su quinto álbum de estudio editado en 2020, Future Islands ha confirmado su vuelta a escenarios tapatíos para el viernes 23 de septiembre en el Guanamor Teatro Studio, tras tres años sin tocar en Guadalajara.

Con apenas dos canciones relativamente nuevas, Peach (2021) y King of Sweden (2022), la banda originaria de Baltimore puede permitirse repetir algo que podría resultar familiar a la última vez que se presentó en Guadalajara, a través del Roxy Fest 2019, pero que por su potente, melancólico y elegante synth pop, sumado a los movimientos erráticos pero sinceros de Samuel T. Herring junto a su rugido de death metal, se siente como una actuación no solo inédita, sino fresca y emocionante.

Un concierto de Future Islands se desarrolla como una visita al psicólogo, con un enfoque desde la música, mientras Herring ofrece canciones a la multitud, precedidas de palabras sobre el tipo de personas para las que fueron concebidas. Son canciones para quienes se sienten perdidos y solos, para las personas que se embarcan en un nuevo viaje en su vida, para quienes extrañan a sus seres queridos, tanto por los que se han ausentado de manera temporal como por los que han partido de manera definitiva. Es una catarsis eufórica, una colisión de synth pop y emociones que ruedan por el cuerpo una ola.

El reencuentro de Future Islands y el público tapatío está programado para el arranque del otoño, en medio de una gira por Europa, con fechas reprogramadas de principios de año. Los boletos para Guadalajara se liberan el lunes 20 de junio y estarán disponibles a través del sistema Ticketmaster (más cargos por servicio) y en taquillas del Auditorio Telmex (sin cargos por servicio). Los precios para la localidad General A es de $750, mientras que para General B, $580. Un día antes a su concierto en Guadalajara, el 22 de septiembre, los estadounidenses se presentarán en el Pabellón Oeste de la CDMX.

El otro lado de Beach Fossils en Conjunto Santander

Con cuatro años de ausencia en Guadalajara, el miércoles 22 de junio en el Conjunto Santander, Beach Fossils evocará una noche de refinado indie pop y jazz, de múltiples capas y letras conmovedoras y honestas que capturan destellos de la vida en Nueva York. Con este show, la banda originaria de Brooklyn arrancará la segunda temporada de conciertos de Nueva Ola en la ciudad.

Originalmente, Dustin Payseur y compañía iban a presentarse en 2020, a través del Corona Capital Guadalajara, sin embargo, por motivos conocidos de sobra, la tercera edición del festival no se llevó a cabo sino hasta el pasado mes de mayo, con The Strokes, !!!, Kamasi Washington, Blondie, Chet Faker, CHVRCHES, Kings of Leon y The Drums, entre otros.

La cita con el público tapatío servirá para presentar en sociedad The Other Side of Life: Piano Ballads, una colección de canciones de la banda pero reimaginadas en el terreno del jazz, eliminando el omnipresente sonido lo-fi de Beach Fossils, impulsado por la guitarra, y abriendo paso a un sonido más relajado de la mano de Payseur, Tommy Gardner —exbaterista de la agrupación— y Henry Kwapis.

El álbum es un homenaje satisfactorio a un estilo que, sin duda, ha nutrido la arquitectura del sonido del grupo fundado en 2009. Se trata de una reinvención sónica elegante, una muestra de lo que Beach Fossils puede y tiene para ofrecer.

Me asombró la cantidad de talento musical que poseía (refiriéndose a Tommy Gardner). De gira, siempre que estábamos en una sala verde con un piano, Gardner se sentaba y comenzaba a improvisar canciones de Beach Fossils con un estilo jazzístico. Tocaría las melodías de las guitarras, el bajo y la voz todos juntos. No es como si lo hubiera ensayado, sería la primera vez que intentaba tocar estas canciones, y siempre fue hermoso. Durante años tuve la idea de convertir estas versiones para piano de las canciones de Beach Fossils en un álbum, y en 2020, cuando las giras se detuvieron repentinamente debido a Covid, me acerqué a Gardner y le pregunté si quería finalmente hacer este álbum.- Dustin Payseur.

La visita de Beach Fossils a Guadalajara no es la única en el país, un día después, la banda ofrecerá un show similar en el Frontón México de la CDMX, presentado por Hipnosis. Los boletos para este segundo concierto están disponibles, vía Boletia.

Por otro lado, la banda encargada de abrir el concierto de los estadounidenses en el Conjunto Santander, es The Space Ocean, agrupación de extracción tapatía, conformada por Omar de la Rosa y Santiago «Memo» Flores. Los boletos están en $600 (más cargos por servicio), vía Conjunto Santander.

Young the Giant reaparece con «Wake up»

Luego de habernos dejado plantados en el Corona Capital Guadalajara, Young the Giant está de vuelta con música nueva que alegra los oídos. Se trata de Wake up, la primera música de los estadounidense en estrenarse en 4 años, es decir, desde el lanzamiento de Mirror Master, su cuarto álbum. Esta nueva canción es el primer acercamiento a su quinta placa de estudio, American Bollywood, el cual se contará en cuatro actos y mantiene bajo reserva su fecha de lanzamiento.

Wake up es donde comienza la historia: un delirio del poeta Vyasa de vidas pasadas y visiones, el viaje de esta banda y toda nuestra identidad colectiva durante los últimos cuatro años y el prólogo de nuestro quinto álbum de estudio: American Bollywood. American Bollywood se contará en cuatro actos: Orígenes, Exilio, Batalla y Desenlace. – Sameer Gadhia.

El estreno de Wake up, hoy en el programa Alt Nation de SiriusXM, coincide con el hecho de que Gadhia fue nombrado dentro del 2022 Inclusion Impact Report de Variety, la lista anual de la publicación que destaca a gente que aboga por la inclusividad y que ha tenido un impacto en la industria del entretenimiento durante el último año.

En el 2020, Gadhia lanzó Point of Origin en Alt Nation de SIRIUSXM, una plataforma para amplificar las voces de color. Cada mes, él destaca a un artista al poner su música al aire unas 70 veces por semana, cada vez con una presentación personal de Gadhia. Durante el próximo año, Gadhia expandirá esta campaña más allá de SIRIUSXM, mientras continúa siendo una voz decidida y prominente con respecto a la igualdad y el cambio.

Este otoño, Young the Giant saldrá de gira para promover su nuevo álbum con fechas selectas en sus mercados principales en octubre y noviembre.

Young The Giant se formó en el 2004 y está compuesta por Sameer Gadhia (voz), Jacob Tilley (guitarra), Eric Cannata (guitarra), Francois Comtois (batería) y Payam Doostzadeh (bajo).

black midi revela una conspiración épica en «Eat men eat»

Confirmada como una de las bandas que formarán parte de la decimosegunda edición del Corona Capital, cuyos boletos están volando o, puede que ya se hayan agotado para cuando leas esta nota, black midi ha reaparecido con Eat men eat, un episodio más de su nueva temporada musical llamada Hellfire, álbum que estará disponible a partir del 15 de julio, vía Rough Trade.

Musicalmente, Eat men eat es una fusión de rock y flamenco, éste último género era el nombre temporal que recibió el tema en sus primeras interpretaciones en directo. La letra, escrita por Cameron Picton, cuenta la historia de la búsqueda de una pareja para superar a un militarista jefe de minas, maldecido con una lengua de ácido al igual que con su incómodo refunfuñar interno. La canción también cuenta con más de 50 grabaciones enviadas por fans colocadas en capas al final de la pieza, además de palmas y otros elementos percusivos proveídos por Demi García Sabat.

La historia empieza en el desierto con dos personas absortas en la búsqueda desesperada de sus amigos ausentes. Su búsqueda los lleva a unas instalaciones de minería en donde, a pesar de una escasez de recursos naturales en el área, abre sus puertas para que incluso anfitriones más extraños les den la bienvenida. 

Esa noche, con cero señales de sus amigos, el capitán cascarrabias de la mina les ofrece un festín masivo, quien da un discurso largo en donde los incita a darse el gusto ya que es la último noche de los trabajadores antes de regresar a sus familias. Con buenas razones para sospechas, los protagonistas fingen glotonería y consumen lo menos posible. Desafortunadamente, como lo averiguan más tarde, eso no es suficiente. Cae la noche, se esconden y cuando los trabajadores quedan comatosos, los guardias, supervisados por el capitán, hacen las preparaciones para bombear sus estómagos envenenados. Resulta que el propósito de la mina es procurar un exceso de ácido estomacal humano usado en la producción de un vino rojo sangre bastardeado, vendido y amado en la región. 

Después de que se revela la conspiración más grande y tras darse cuenta que sus amigos han de estar fallecidos desde hace tiempo, el par decide que deben destruir las instalaciones. Una herramienta hace el trabajo, sin embargo, mientras uno de los hombres experimentando efectos sutiles del veneno y la producción de ácido en su estómago entra en estado frenético. Mientras su pecho literalmente burbujea él dice lo que podía ser su último adiós a su y el otro hombre se queda haciendo el trabajo a solas.

Él triunfa y mientras huyen, brazo a brazo, el capitán demonio eructa de las brasas y maldice a los dos hombres al infierno de un reflujo incapacitante por el resto de sus días. Pero ellos no tienen razón para preocuparse, ya que están seguros de que regresarán a casa elogiados -. Cameron Pincton.

Escrito en aislamiento en Londres tras el lanzamiento de Cavalcade el año pasado, Hellfire construye sobre los elementos melódicos y armónicos de su antecesor, mientras expande la brutalidad e intensidad de su debut, Schlagenheim Como lo describe Greep: “Si Cavalcade fue un drama, Hellfire es como una peli de acción épica» que indaga en temas como el dolor, la pérdida y la angustia. Mientras que las historias de Cavalcade se contaron en tercera persona, Hellfire se presenta en primera persona y nos cuenta relatos de personajes moralmente sospechosos. Hay monólogos dramáticos directos que apelan escandalosamente a nuestro sentido degradado del bien y el mal. Nunca estás del todo seguro si reír o estar horrorizado. Temáticamente, este es su álbum más cohesivo e intencional.

Julia Jacklin revela «I was neon»

Julia Jacklin está de vuelta con un nuevo álbum, un retorno bien recibido por la crítica y los fans que se preparan para otro disco devastadoramente poderoso. PRE PLEASURE, el primer álbum de la australiana en tres años, sale el 26 de agosto a través de Polyvinyl Records. Este martes, Jacklin ha compartido I was neon, el segundo aperitivo y que emerge para convertirse en un clásico instantáneo.

La canción, sonoramente, es un himno de rock pop en el que Jacklin pregunta “Am I going to lose myself again?” Podemos ver a Jacklin dudar de sí misma, pero como siempre sus letras inteligentes y audaces quitan cualquier duda que ella pueda tener. I was neon se perfila para ser una favorita en vivo y es una de las destacadas del álbum y posiblemente, una de las mejores canciones del año.

“Gran parte del tiempo, siento que yo necesito hacer todo el trabajo antes de poder disfrutar de la vida», dice Julia Jacklin sobre su tercer álbum, PRE PLEASURE. “Ya sea trabajar en canciones o en el sexo, amistades o en mi relación con mi familia –pienso que si trabajo en ellos lo suficientemente fuerte y duradero, eventualmente podré sentarme y disfrutarlos en verdad. Pero así no es como funciona. Todo es un proceso en curso”.

El binario de la crisis casual es una fuerza poderosa en la música de Julia Jacklin. Desde que lanzó su álbum debut, Don’t Let the Kids Win, en 2016, vía Blue Mountains, la cantautora de Melbourne ha labrado una reputación imponente como una letrista directa, con la voluntad de excavar los parámetros de la intimidad y la disposición en canciones tanto oscuras como puras, libres y juguetonas. Si en su debut folky de 2016, Don’t Let the Kids Win, anunció esas intenciones y si en su deslumbrante sucesor de 2019, Crushing, posicionó a los oyentes incómodamente cerca, PRE PLEASURE es el sonido de Jacklin relajando su agarre.

Concebido tras regresar a casa al final de una gira mundial masiva, Crushing, y terminado tras unos meses frenéticos de grabar en Montreal (“Las canciones en este disco tomaron entre tres años y tres minutos en ser compuestas”), en PRE PLEASURE vemos a Jacklin expandir su sonido característico, mientras conjura las ondas y  las fallas geológicas provocadas por comunicación poco fiable.

Grabado en Montreal con el coproductor Marcus Paquin (The Weather Station, The National), en PRE PLEASURE vemos a Jacklin acompañada de su banda de gira radicada en Canadá: el bajista Ben Whiteley y el guitarrista Will Kidman, ambos de la banda canadiense de folk, The Weather Station. También presenta a la baterista, Laurie Torres, al saxofonista, Adam Kinner y al arreglista Owen Pallett (Arcade Fire) grabado con una orquesta completa en Praga.

Hay momentos a lo largo de las diez canciones que reflejan esa inspiración y la voluntad de Jackie para explorar nuevo terreno como productora y compositora, pero al final PRE PLEASURE presenta a Jacklin en su estado más auténtico; una letrista experta y sin compromisos, siempre lista para adentrarse a las profundidades de su propia experiencia de vida, y singular al traducirlo en canciones atemporales profundamente personales.

Dry Cleaning anuncia álbum y estrena «Don’t press me»

Tras concluir su gira por Estados Unidos, con algunas fechas como banda invitada de Interpol, como fue el caso de la cita en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México, el cuarteto británico Dry Cleaning ha regresado a casa y anunciado el lanzamiento de Stumpwork, material sucesor de New Long Leg, que verá la luz el 21 de octubre, vía 4AD. Para inaugurar la antesala, la banda ha compartido Don’t press me, canción que va sobre el placer de jugar videojuegos y el deleite de tener experiencias libre de culpa.

Las palabras del coro vinieron porque estaba tratando de escribir una canción para cantarle a mi mente: “You are always fighting me / You are always stressing me out”.- Florence Shaw.

El video oficial con el que viene acompañado el estreno de la nueva canción, es una pieza animada creada por Peter Millard cuyas representaciones inocentes de la banda están perfectamente sincronizadas con los hooks y riffs de la canción.

Stumpwork está inspirado en una plétora de eventos, conceptos y desastres políticos, ya sean representados en el desorden glacial de elementos ambiente que reflejan cierta desesperanza existencial o en el calor sorprendente de celebrar las vidas de seres queridos perdidos a través del año previo. Las letras surrealistas están al frente –pero hay una sensibilidad ahora en los temas de familia, dinero, política, la autocrítica y la sensualidad. Furiosos himnos alt-rock a lo largo del disco combinan con pop y ambient noise, demostrando la variedad de influencias que tiene la banda y profunda musicalidad. Ya sin la presión de su álbum debut, Dry Cleaning ha creado una nueva obra ambiciosa y profundamente gratificante que los hace destacar como uno de los actos más inteligentes y emocionantes en el Reino Unido.

El arte del álbum y el sencillo fueron concebidos y creados por los artistas multidisciplinarios Rottingdean Bazaar y la fotógrafa Annie Collinge. James Theseus BuckLuke Brooks, de Rottingdean Bazaar, primero trabajaron con Dry Cleaning al dirigir el video de Scratchcard Lanyard y su alianza creativa con la banda sigue dando frutos, ahora con la identidad visual brillante de Stumpwork.

Dry Cleaning - Stumpwork

1. Anna Calls From The Arctic
2. Kwenchy Kups
3. Gary Ashby
4. Driver’s Story
5. Hot Penny Day
6. Stumpwork
7. No Decent Shoes For Rain
8. Don’t Press Me
9. Conservative Hell
10. Liberty Log
11. Icebergs

Automatic lanza video para «Skyscraper»

Como una especie de statement —al estilo Severance— sobre el mal banal de la cultura corporativa, vemos a Automatic en su nuevo video para Skyscraper como trabajadoras de oficina totalmente inexpresivas subiendo las escaleras. El nuevo clip es obra de Alex Thurmond y la canción forma parte de Excess, el segundo largo del trío angelino que se editará el 24 de junio, vía Stones Throw Records.

En Skyscraper, Automatic imagina a alguien estilo Patrick Bateman que puede ignorar a «la gente miserable afuera» mientras se regocija en su oficina en el 100º piso “donde el sol tiene un hermoso brillo”. El video toma inspiración directa de las letras.

Puede ser fácil caer en las trampas del capitalismo y la vida corporativa. American Psycho y Office Space fueron puntos de referencia, la glorificación de las tareas monótonas por subir la escalera corporativa. Esas películas tienen una cualidad exageradas y satírica que realmente va bien con la canción así que fue divertido resaltarlo.- Alex Thurmond.

El álbum se sube al borde imaginario en donde el underground de los setenta se encuentra con la cultura corporativa de los ochenta –o, como lo pone la banda: “Ese momento efímero en donde lo que una vez fue cool, rápidamente se volvió mainstream, todo en pro del consumismo”. Esto se convierte en el punto de partida para explorar las consecuencias de dicho exceso –sobre todo, el hecho de que la Generación Z va a heredar el mundo de último momento antes de ser lo suficientemente grandes como para beber alcohol. La canción combina el mensaje de urgencia con los ganchos pop pegajosos y las atmósferas glaciales y motorik características del trío de L.A.; Excess está bien amarrado y tiene garra, es música bailable para el final de los tiempos.

Después de sus shows con Tame Impala y sus presentaciones en Primavera Sound, Best Kept Secret y Wide Awake, Automatic, conformado por Lola Dompé, Izzy Glaudini y Halle Saxon-Gaines, dará más fechas en Europa antes de regresar a L.A. para dar un show especial en The Regent.